Índice:

La SOCIEDAD de la NIEVE

NEFARIUS

HISTORIA DE UN CRIMEN y CAPOTE

JURADO nº2

CÓNCLAVE

LOS DESTELLOS

ÉRASE UNA VEZ MI MADRE

EL MAÑANA TAMBIÉN EXISTE

LOS BUENOS PROFESORES

A PROPÓSITO DE LA VIDA NACIENTE

ACERCA DE LA PELÍCULA “LA SOCIEDAD DE LA NIEVE”

Gloria Mª Tomás y Garrido

El éxito alcanzado por esta obra, tan merecido, exige también conocer un contexto amplio, tanto del hecho real, como de su visualización cinematográfica. Y, en nuestro caso, también para mostrar la capacidad humana para el dolor, el sufrimiento, el amor y la esperanza. Se ha procurado prescindir en la película de los nombres de las protagonistas, por hacer justicia a todos y también para evitar explicaciones complementarias interesantes, pero que alargarían sin ser preciso, el contenido de este trabajo.

LA ESCUETA, INAUDITA Y SOBRECOGEDORA NOTICIA

El viernes 13 de octubre 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar un equipo de rugby -el Old Christians Club- a Chile procedente de Montevideo se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Viajaban 45 pasajeros; los deportistas, amigos, -estudiantes del Colegio Stella Maris- familiares y la tripulación del vuelo. De los veintinueve que estaban vivos a los pocos días del accidente, otros ocho murieron por un alud que barrió su refugio en los restos que quedaban del avión. Tras varios días de intensa búsqueda, en condiciones imposibles debido a las tormentas de nieve, las autoridades abandonaron la búsqueda y dieron por perdidos a todos los pasajeros. Pudieron escuchar los sobrevivientes esta información en las noticias en la radio que unos días le funcionó. Tenían poca comida y ninguna fuente de calor con la dureza del clima, a más de 3.600 metros de altitud. Y así 72 días, hasta que los equipos de rescate pudieron actuar, cuando Fernando Parrado y Roberto Canessa, después de un viaje de 10 días a través de los Andes, se encuentran con un arriero chileno Sergio Catalán, que alertó a las autoridades sobre la existencia de los otros sobrevivientes. El hecho también es conocido como «el milagro de los Andes». Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida. Así, tuvieron que recurrir a la antropofagia para subsistir las diez semanas en las montañas.

LIBROS SOBRE EL TEMA LLEVADOS AL CINE

EL LIBRO DE DEPIERS PAUL READ

“ALIVE: THE STORY OF THE ANDES SURVIVORS, el triunfo del espíritu humano” de la Editorial Barreiro y Ramos de abril de 1974, fue escrito por el novelista, historiador y biógrafo británico. Piers Paul Read. Basado en estos hechos y en las entrevistas realizadas a los dieciséis sobrevivientes del accidente José Pedro Algorta, Roberto Canessa, Alfredo Delgado, Daniel Fernández, Roberto François, Roy Harley, José Luis Inciarte, Javier Methol, Álvaro Mangino, Carlos Páez Rodríguez, Fernando Parrado, Ramón Sabella, Adolfo Strauch, Eduardo Strauch, Antonio Vizintín y Gustavo Zerbino. Quienes escriben el prólogo del libro. Fue superventas; está ilustrado con fotografías en blanco y negro. En 1993, basándose en este libro, se estrenó el largometraje y documental ¡VIVEN!, dirigida por Frank Marshalle. La película, durante dos horas, cuenta con crudeza la terrible aventura de los pasajeros del avión. Su relación se estrecha en esa situación de vida o muerte, pero también las emociones se disparan. Los paisajes en los que se desarrolla la acción son impresionantes. Narrada con ritmo y habilidad, mantiene la emoción hasta el final, con una música La música excelente.

El LIBRO DE PABLO VIERCI

“LA SOCIEDAD DE LA NIEVE. Relato de los sobrevivientes de los Andes 50 años después de accidente”, escrito por el periodista y guionista uruguayo Pablo Verci, y publicado por la Editorial Alrevés, recopila magistralmente lo que pasó en Los Andes. Copio el resumen que aparece en Internet motivando a su compra: “La sociedad de la nieve” es el libro definitivo sobre la historia más increíble jamás contada. Si fuera ficción, resultaría inverosímil. Pero fue y es verdad, y todos los sobrevivientes hablan por primera vez desde aquel accidente de avión que los encontró con alrededor de veinte años en los Andes, a cuatro mil metros de altura, con treinta grados bajo cero, sin abrigo ni comida. Pablo Vierci acompañó a un grupo de sobrevivientes con sus hijos a la montaña. Cada uno de los dieciséis recuerda en primera persona cómo fueron los setenta y dos días en la cordillera, cómo superaron esa situación extrema, cómo entendieron la muerte, qué significó el accidente y cómo influyó en su vida posterior. Vierci fue compañero de colegio de los sobrevivientes; comenzó a escribir este libro en 1973. Quizás por eso es tan precisa y lograda la recreación de los momentos previos al accidente, la supervivencia en la montaña, el alud que mató a ocho amigos, la decisión de alimentarse de los cuerpos de los compañeros, la expedición en busca de ayuda, los días posteriores al rescate y la vida que siguió. Pero, por encima de todo, tal vez sea por eso que consiga aproximarnos a lo que está más allá de la anécdota, donde el estallido del accidente se recompone en un mosaico grandioso, donde se proyectan dieciséis cordilleras. Este libro es el inmejorable resultado de dejar madurar una historia, para poder aprender que detrás de la tragedia y la adversidad, en un escenario desmesurado y solitario, se logra crear una sociedad diferente a todas las conocidas, pautada por la misericordia y la alternativa de ir más allá de lo posible. El accidente de los Andes partió la vida de aquellos jóvenes, y su relato puede transformarse en una bisagra en la experiencia del lector. La sociedad de la nieve reunió a los dieciséis, con la perspectiva del tiempo transcurrido, para que dejen sus testimonios en la historia”. Este libro ha sido adaptado a la película que hoy comentamos “LA SOCIEDAD DE LA NIEVE”

J.A. BAYONA: EL DIRECTOR

Podría llenar varias páginas comentado la vida, el trabajo y el estilo de “Jota”, tal como lo llaman los protagonistas de “La sociedad de la nieve”. Pero no me resigno a hacer un breve y confío que certero comentario sobre este director que tanto promete. Nace en Barcelona el año 1975; tiene un hermano gemelo, Carlos (que dice haber sustituido alguna vez a Jota para recibir felicitaciones). Sus padres, unos estupendos andaluces de condición social sencilla y muy trabajadores. Juan Antonio estudió en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Inició su carrera dirigiendo anuncios de televisión y videoclips. A los dieciséis años conoció en el Festival de Cine de Sitges al que Bayona reconoce como su mentor, Guillermo del Toro, Entre sus películas, como director, se encuentran “El orfanato” (2007), “Lo imposible” (2012). En 2013, recibió el Premio Nacional de Cinematografía en el marco de la 61.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En 2014 inició el rodaje de su tercer largometraje, “Un monstruo viene a verme” (2016). La película obtuvo nueve galardones en la XXX edición de los premios Goya. En diciembre de 2023 se estrenó su película “La sociedad de la nieve”, la cual fue nominada en dos categorías de los premios Oscars, mejor película extranjera y mejor maquillaje y peluquería. Es la tercera película más galardonada de la historia de los Premios Goya, haciéndose con doce estatuillas de las trece a las que optaba. No las citamos para acortar el relato. Jota ha querido aclarar que por mucho que ruede en Hollywood de vez en cuando, él se siente parte de la familia del cine español. “Mi casa es el cine español”. En su discurso en Netflix al presentar la película rememoró que en diciembre del año 2021 se situó a 4.000 metros para pedirle a las familias de los fallecidos en la epopeya de los Andes llevar al cine su historia, porque opinaba que se podía hacer una película en español con la ambición que merecía; parece ser que la película ya supera a los 150 millones de espectadores. Señala el director que el premio que tenía en sus manos es también para toda la gente que compartió sus vidas, y la de sus conocidos, para poderla llevar a las pantallas.

LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

–Director: J. A. Bayona

-España, 2023.

-Reparto: (se citan algunos): Enzo Vogrincic, Agustin Pardella, Matías Recalt, Esteban Bigliardi, Diego Vegezzi, Paula Baldini

-Guión: J.A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marqué, Nicolás Casariego

-Música: Michael Giacchino

-Fotografía: Pedro Luque

Ya se sabe de qué va el argumento; Es impactante el montaje; el trabajo soberbio del sonido, la música, los silencios, los rugidos del alud, los motores. Como vivo en Granada me ilusiona escribir que casi el mundo entero ha podido admirar la belleza de Sierra Nevada gracias esta película, pues gran parte de la historia se grabó en el macizo montañoso de Granada, aunque claro está, la cordillera de Los Andes también estuvo presente. Pero el objetivo del trabajo, lo que merece la pena resaltar es la reflexión tan válida que sugiere. Los intérpretes son desconocidos, hablan en español -ya es un “techo” superado-, y se identifican existencialmente con la persona a la que imitan; quizás con la naturalidad de una juventud generosa y patriótica; además -probablemente fue el ambiente que hubo en esta odisea- se transmite un clima, colectivo y anónimo en el que hay un comportamiento ¡tan humano! como ejemplar.

Todos diferentes, pero unidos. La valentía y audacia de unos, el llanto sincero de otros. Cada uno hizo lo que podía en aquella ocasión y así lo hacen nuestros actores. Nuestros intérpretes jóvenes han captado que no eligieron al personaje real, sino que éste eligió a ellos. Todo heroico, con heroicidades distintas. Parece siempre lo más escabroso el qué hacer ante tanta hambre y tanto frío y, sin proponérselo, doliendo el corazón, el dilema es consumir carne de sus compañeros fallecidos; hay un delicadísimo y certero debate religioso, médico y legal, antes de tomar la decisión de consumir esta carne humana. Punto clave: las palabras del joven moribundo “…en caso de morirme, yo doy mi cuerpo”. La película termina con 13 minutos de crédito ¡tanta gente ha colaborado! No podemos dejar de lado otra protagonista: la inmensa e inabarcable es la montaña, puro frio, todo blanco, todo inmensamente deshabitado. Cada uno la oye, le retumba y… también se oye a sí mismo, casi como extraño, y al silencio de otro. Para unos su “gasolina” para seguir adelante fue el miedo; para otro su fe e incluso su juventud. También tentaciones, de suicidio, de echarlo todo a perder. Quizás sabían, o lo supieron después, que los Andes ya se habían tragado 30 aviones con la desaparición absoluta de todos los tripulantes. Pero en este caso, la montaña no oculta a todos y ella es simbólicamente testigo ocular de la maravillosa sutileza que emerge día a día y das luz: lo bueno de cada uno impregna el colectivo. Se logra mantener la calma. Los recuerdos de la familia; al abrazo a la persona que muere que le servirá para abrazar al encontrar nuevamente a los suyos. El rezo valiente y pausado del santo Rosario. El llanto profundo de uno, que exterioriza el sentir de todo el grupo. Han descubierto con profundidad que es el sacrificio, qué la humildad, y la compañía, y la ayuda mutua. No puede dejar de pensarse que quizás no habrá buen final, y no les lleva a la desesperación sino a entender al de enfrente, a honrarle. También intervienen los fallecidos, recordados por lo que dejan a los demás. Una tragedia en la que brilla la excelencia humana. Habrá que terminar este trabajo. Siguen tantas opiniones en las redes sociales y datos de todo tipo técnicos, originales. Un buen resumen es lo expresa Isabel Coixet horas antes de que se iniciase la ceremonia de la 38º edición de los Premios Goya que… “los directores son como plantas carnívoras que lo devoran todo. La máxima se cumple en el cineasta responsable de “La sociedad de la nieve” que ha arrasado el palmarés y se ha llevado doce estatuillas en una noche reivindicativa y llena de amor por el cine.” Y yo añadiría: y de amor y respeto a cada persona, los que sufrieron tanto, los que murieron, y los actuales intérpretes, jóvenes no profesionales del cine que han trabajado de lleno. Se lo han pasado muy bien, y hasta han tenido la libertad de inventarse “payadas”.

Granada, junio, 2024

ACERCA DE LA PELÍCULA “NEFARIOUS”

Gloria Mª Tomás y Garrido

Estimado lector: antes de adentrarte en mi trabajo sobre esta película permíteme explicar brevemente porqué la he elegido esta película. Casualmente muy poco antes de su estreno, estuve leyendo el libro “La ficción suprema. Un asalto a la idea de Dios”, de Álvaro Pombo. Me ha aportado mucho. El capítulo once que abarca desde la página 130 a la 137, se titula ¿Es Lucifer un objeto puro? Que el autor me perdone, pero me permito entresacar y copiar algunas de sus ideas.

“No hay asunto más popular que Lucifer. No hay personaje más literario que Satanás. Su indiscutido prestigio viene de muy atrás, serperteante, del Génesis, y llega en perfecto estado de salud a nuestro días. (…) En la imaginería popular contemporánea ha pasado de asustar a los niños a encantar a las juventudes rockeras”. Trabaja después Pombo la obra de Kierkegaard “El concepto de la angustia” y de ella copio.”En lo demoniaco vive el individuo en el mal y se angustia del bien (…) Lo demoniaco solo resulta claro cuando entra en contacto con el bien”.

Creo que suficiente. En Bioética, estamos abiertos a todos los avances científicos y tecnológicos que mejoren al hombre, mas vemos que junto a buenos avances los retrocesos, las desviaciones se multiplican exponencialmente, olvidado y despreciando la inviolabilidad de la dignidad de cada persona y un largo etc.

Y …se estrenó Nefarious. Creo que ahora comprendes mi trabajo.

Nefarious se ha producido en Estados Unidos/2022. Dirección: Chuck Konzelman, Cary Solomon. Guion: Chuck Konzelman, Cary Solomon, Steve Deace. Fotografía: Jason Head. Edición: Brian Jeremiah Smith. Elenco: Sean Patrick Flanery, Jordan Belfi, Tom Ohmer, Daniel Martin Baker. Duración: 98 minutos. 

Esta película es la adaptación de la novela A Nefarious Plot de Steve Deace. Sus dos directores el año 2019 filmaron Unplanned en la que valientemente se defiende cada vida y se condena el aborto. El director de comunicación de European Dreams Factory, Alfredo Panadero, afirma que Nefarious cuenta una historia inspirada en un caso real qu ocurrió en EEUU, donde un preso afirmaba ser el demonio. Para el crítico Aresté estamos ante una cinta carcelaria muy original, que incluye elementos típicos de las películas de posesión diabólica, pero con un enfoque diferente e inquietante, que definitivamente “rompe el molde”. En el fondo, hay un esquema de confrontación, casi de obra teatral, entre dos personajes de enorme ego, encastillados en sus posiciones de soberbia, que van creando intriga y despertando una atmósfera inquietante.

El relato se desarrolla del siguiente modo, el psiquiatra James Martin es requerido en una cárcel de Oklahoma, para hacer la evaluación mental de un recluso, Edward Wayne Brady, que se encuentra en el corredor de la muerte, a pocas horas de que se le aplique la pena capital. Si en el informe el Dr. Martin concluye que el reo padece un trastorno mental, por ley, no podrá ser ejecutado. Pero sí, por el contrario, afirma que está cuerdo y que finge su locura, será electrocutado al cabo de unas horas. Antes de conocer a Edward, Martin le revela al alcaide Moss que é ha venido para reemplazar al Dr. Stewart, visitante regular de Edward, pero que se ha suicidado la noche anterior. Cuando Martin se sienta para interrogar a Edward, el recluso se niega a ser identificado como humano; en su lugar, dice que es un demonio que habita en el cuerpo de Edward y que se llama «Nefariamous» —»Nefarious» para abreviar—, un nombre que le fue otorgado por el mismísimo Satanás. Ni James ni Moss piensa que haya una posesión diabólica. James no cree en Dios y mucho menos en los demonios, no cree por tanto que Nefarious sea quien dice ser y piensa en cambio que es un acto de Edward para parecer loco; sin embargo, se sorprende cuando Nefarious insiste en que quiere ser ejecutado, o más bien, que quiere que Edward sea ejecutado. Moss, por su parte, piensa que la alegación de Edward no es más que un truco para librarse de la ejecución. Pero Nefarious parece encantado con la posibilidad de ser llevado a la silla eléctrica porque, asevera, los demonios son inmortales y desea que el alma del cuerpo que habita se vaya al infierno. Además, disfruta haciendo sufrir a Edward. Nefarious asegura que en realidad fue él quien convocó a James a esta entrevista, algo que el psiquiatra considera ridículo. La cosa se complica cuando Nefarious realiza una afirmación que lo pondrá todo patas arriba: explica que antes de que termine el día, el psiquiatra habrá cometido tres asesinatos. -Eso no ocurrirá –responde James./ Ocurrirá porque yo lo digo –zanja Nefarious/. El cual habla siempre con tranquilidad y seguridad en sí mismo (salvo en los escasos momentos en los que deja intervenir a su poseído, y Edward se muestra atribulado y espantado). Es doloroso ver a un pobre hombre atrapado y asustado y que a su vez convive con el astuto demonio que lo que desea ahora es atraer a su bando al médico que tiene enfrente. Casi toda la película desarrolla en espacios cerrados, lo que contribuye a generar cierta sensación claustrofóbica unido a Nefarious confesando sus atrocidades. Los primeros minutos son muy atractivos. El espectador también duda si ese hombre en prisión realmente está poseído por un demonio, o si en realidad es sólo un asesino más inteligente de lo normal. El guión es potente y en poco tiempo surgen grandes verdades con un planteamiento dialéctico de altura; queda patente el poder corruptor del demonio, atacando brutalmente a la dignidad de todos. La confrontación tan interesante es, además muy paradójica, ya que es el demonio el que dice las verdades, y el psiquiatra el que vive en la mentira; estamos en una constante conversación entre el Príncipe de la mentira y un hombre que vive instalado en la mentira. James pregunta a Nefarious cómo llegó a habitar Edward. Nefarious explica que poseyó a Edward a través de un proceso llevado a cabo a lo largo de la vida de Edward: comenzó con la facilidad de acceso a través de Edward, que nunca fue bautizado; continuó a través de eventos aparentemente inocuos, y finalmente completando el proceso solo después de que Edward consintió en la posesión varias veces. Martin trae un capellán para enfrentar al demonio en Edward, lo que asusta a Nefarious hasta que, desgraciadamente, se da cuenta de que este sacerdote no cree en los demonios y, por lo tanto, no tiene ningún efecto sobre él. Martin luego pide hablar con Edward, haciendo que Nefarious retroceda. Aparece entonces un Edward tímido e infantil que está terriblemente angustiado y sacudido por su posesión y dice que el demonio había asesinado a varias personas usando su cuerpo como un recipiente. La conversación vuelve a Nefarious que toma el control de los actos vergonzantes hechos por Martín escudándose en que son racionales. Asi, sacrificó a su madre enferma terminal para adquirir su enorme riqueza. Martin se enoja y amenaza con abandonar la reunión, pero cambia de opinión. Después Nefarious explica que su novia está embarazada, y debido a que él amenazó con dejarla, ella está terminando su embarazo. Abrumado por la curiosidad, Martin le ruega a un amable guardia de la prisión acceso a un teléfono, que utiliza para

llamar a la clínica de salud desde donde se da cuenta de que su novia acaba de terminar con el aborto. Nefarious se ríe y expresa «todo el infierno es regocijo». Nefarious luego explica que quiere que Martin escriba un libro llamado The Dark Gospel, que es su equivalente satánico a la Biblia y comenzará otra religión mundial en servidumbre a los demonios. James en esta situación es llamado por el alcaide Moss, quien le revela que al registrar la celda de la prisión de Edward, encontraron documentación de su vida, como Nefarious había hecho con todas sus otras víctimas, así como el oscuro evangelio que Edward escribió, acreditándolo al nombre de Martin. El siquiatra, creyendo que Edward está fingiendo personalidades divididas, se enfrenta a Nefarious el cual se rompe la mano para liberarse de una de las esposas y agarra a Martin, amenazando con romperle el cuello a menos que ruegue por su vida. El psiquiatra declara que Edward está cuerdo, pero no antes de ser advertido por un triunfante Nefarious de que está condenando a Edward a muerte. Mientras Edward está en la silla eléctrica, Nefarious posee su cuerpo por última vez, preguntando nuevamente si Martin acepta su oferta, a lo que se niega silenciosamente. Decepcionado, Nefarious abandona el cuerpo de Edward, causando que Edward sufra una muerte extremadamente dolorosa y terrible en la silla. El demonio luego le dice a James: «Deberías haber aceptado mi oferta», antes de poseerlo y trata de obligarle a suicidarse. Sin embargo, Martin, tan ateo y pragmático, ora a Dios pidiéndole ayuda; y aunque está apuntándose en la cabeza, el arma falla y no muere.

Un año después, se muestra a un James visiblemente cambiado promocionando el libro de Nefarious, no como un «evangelio oscuro», sino como un cuento de advertencia reescrito para que la gente lea y se dé cuenta de la influencia demoníaca en la sociedad. En su camino a casa, Martin se topa con una mujer sin hogar que Nefarious ahora ha poseído.

La crítica dl film es diversa, yo opino como tantos otros que estamos ante una formidable lección de teología. Nefarious expone ante su antagonista su plan de conquista del mundo y de las almas, opuesto al de Dios. Y eso es lo que nos llevamos de la película es una visión muy completa -aquí solo hemos recogido algunos trazos- del plan de Satanás para la humanidad. Es impresionante qu los directores han

relatado numerosos obstáculos a los que se enfrentó el rodaje, que atribuyen a que «al demonio no le gusta«: un Covid grave de nueve de los quince miembros directivos del equipo, un gasto adicional de cinco meses de alquiler del lugar de grabación, una extraña huelga contra la producción, una apendicitis casi mortal del sacerdote y exorcista que les acompañaba en el rodaje justo en prevención de boicoteadoras maquinaciones diabólicas, un número estadísticamente incomprensible de incidentes automovilísticos del equipo, vientos huracanados como había años no se recordaban en Oklahoma que sacudían la estructura del hangar con ruidos audibles en la grabación… Y luego, ya con la distribución a punto de empezar, unas lluvias torrenciales en California inutilizan las oficinas de la productora.

¿Quién es Nefarious? Para Chuck y Cary, está claro: «La audiencia se va dando cuenta poco a poco de algo que los ángeles caídos siempre han sabido. Que los problemas que vemos y sufrimos en el mundo que nos rodea no son producto de una batalla cultural, sino más bien de una batalla espiritual«. El director Cary Solomon ha afirmado: “Cuando éramos niños, a todos nos decían que los monstruos no existen. En realidad, era una mentira, porque hay monstruos y son muy, muy reales. No se parecen a los monstruos de la televisión o de las películas…, porque generalmente no se pueden ver. Al menos no del todo. Lo que puedes ver es lo que hacen. Estos monstruos tientan y corrompen, controlan y destruyen. ¿Su enemigo… y su presa?: nosotros. Son los ángeles caídos, las huestes demoníacas, los habitantes del infierno. Aquellos que fueron expulsados del cielo y que, en su amargura e ira, buscan destruir para siempre todo lo bueno».

TRUMAN CAPOTE EN EL CENTENARIO DE SU NACIMIENTO, EN PANTALLA DOS MAGNÍFICAS PELÍCULAS SOBRE SU PERSONA.

Gloria Mª Tomás

INTRODUCCIÓN

Entre 2005 y 2006 Holywood realizó dos pelíulas sobre el escritor Truman Capote. Él se describó a sí mismo con esta afirmación: “Soy alcohólico, drogadicto y homosexual. Soy un genio”. Su novela “A sangre fría” marcó época. Sirvan estos datos para mostrar brevemente su vida, la película “Capote”, y en la segunda, “Infamous”.

SU VIDA

Truman Streckfus Persons nace el 30 de septiembre de 1924 en Nueva Orleans. Comienza a escribir a los ocho años; reconoce que no conocía a nadie que escribiese y a poca gente que leyese. “Pero el caso era que sólo me interesaban cuatro cosas: leer libros, ir al cine, bailar claqué y hacer dibujos”. Físicamente raro -con un estrafalario flequillo y sin sobrepasar el metro cincuenta y cinco de altura-, poseía una voz y unos gestos obvia y alarmantemente afeminados, lo que consternaba a su madre. Con 17 años, después de desempeñar diferentes empleos: bailarín en un barco fluvial o corrector de guiones radiofónicos, comenzó a trabajar en The New Yorkerel y cambia su apellido por el del segundo marido de su madre, Capote. A los 21 años abandona ese trabajo y se dedica a escribir. Dirá que sus relatos de juventud nacen de «simples observaciones cotidianas que anotaba en mi diario. Descripciones de un vecino. Largas transcripciones literales de conversaciones oídas. Chismes locales”. Capote utilizó la literatura para ofrecer una versión camaleónica de su acelerada y atormentada existencia, aunque en sus escritos encontramos una exigente preocupación por la calidad literaria y una emocionada nostalgia de la infancia. Combina en sus relatos elementos grotescos y religiosidad tradicional, pero no llega a la trascendencia. En principio, sus historias se leen con interés, con atención, pero no dejan poso- Y llega su novela “A sangre fría”; antes de dedicarse a ella comenzó a preparar las notas y la estructura de una ambiciosa novela a la que puso por título “Plegarias atendidas”, que procede de una frase de Santa Teresa: ‘Se derraman más lágrimas por las plegarias atendidas que por las no atendidas’; libro técnicamente complicado. No lo terminó; opinaba que la literatura tiene su propia vida, e insistía en bailar a su propio ritmo». “A Sangre fría” salió a la luz en 1966, fue de las novelas más vendidas; considerada un reportaje periodístico, creció hasta convertirse en el paradigma de la no ficción. Capote se interesó por los asesinos -Perry Smith y Richard Hickock- porque en ellos reconoce un pasado común, y le hace preguntarse por qué sus vidas son tan diferentes. “A sangre fría”, icono de la simbiosis entre el periodismo y la literatura, es considerada, con justicia, el antecedente inmediato del Nuevo Periodismo. Fue incapaz de llevar su propia ida en la dirección deseada. Con el paso de los años, la popularidad y una conducta de abusos fueron agostando su creatividad. Se mostraba como un hombre lleno de tics y un modelo de libertinaje. Siempre permaneció solo, y se destruyó. Buscó la amistad con muchos famosos, pero casi nadie lo aceptó y sus amistades de la alta sociedad lo echaron de sus filas. Murió el 25 de agosto de 1984 en Los Ángeles, cuando solo contaba 59 años y no era más que la sobra de sí mismo. Aún así cabe honrar a Truman Capote como uno de los mejores narradores norteamericanos del siglo XX. Triunfó en la literatura escribiendo sobre perdedores de la sociedad, y cayó derrotado en la vida narrando el comportamiento de los vencedores del mundo.

PRIMERA PELÍCULA : CAPOTE (2005)

Recoge dramática biografía estadounidense sobre Truman Capote dirigida por Bennett Miller y protagonizada por Philip Seymour Hoffman en el papel principal. La película se basó en la obra de 1988 Capote, una biografía de Gerald Clarke. La película se convirtió en un éxito de taquilla y recibió elogios de los críticos por la actuación principal de Hoffman. Ganó muchos premios. Muestra que Capote decidió investigar y analizar el asesinato de los cuatro miembros de la familia granjera Clutter, de Kansas, a manos de dos hombres. Para ello viaja a Kansas e invita a su amiga de la infancia, Harper Lee, a que lo acompañe. Con halagos y sobornos se le facilita a Capote realizar visitas a la prisión Los cuentos de Capote sobre escenarios de películas y estrellas de cine cautivan a una tal Marie. Con el tiempo, su esposo se encariña con Capote y le permite ver las fotografías de las víctimas. Los Dewey, Lee y Capote están cenando cuando los sospechosos de asesinato, Perry Smith y Richard «Dick» Hickock, son capturados. Los halagos, los sobornos y una profunda comprensión de la condición humana facilitan las visitas de Capote a la prisión donde están detenidos los acusados, estableciendo una amistad profunda con uno de ellos, dado también que el proceso de apelación dura años. Sin que se resuelva el caso judicial, Capote siente que está atrapado en una historia sin final y no puede terminar su libro. Finalmente, consigue que Smith describa los asesinatos y sus pensamientos en ese momento con gran detalle. Consigue lo que quiere de Smith, pero ve insensibilidad y egoísmo en sus propias acciones en el proceso. El retrato del protagonista es sobrio, sin complacencias. Perfilan su profundo narcisismo, que le facilita casi automáticamente a detectar los puntos débiles del otro; Philip Seymour Hoffman hace una soberbia interpretación; evita los excesos a que se presta el personaje, lo dota de mil y un matices. ¿Qué cabe destacar? La soledad de Capote. A pesar de ser un personaje público tan tremendo, sus sentimientos más intrínsecos, que es de lo que realmente va la película, son privados. En la superficie vemos la elaborada historia de un escritor que hacía todo lo que estaba de su mano para completar su obra escrita, pero no su vida.

SEGUNDA PELÍCULA: INFAMOUS (2006)

En castellano se ha titulado “Historia de un crimen” y en América Latina ”Infame”. Al leer diferentes críticas de la misma, me quedo con un título impresionante: “Truman Capote: 100 años de Sangre fría y champán amargo”

Escrito y dirigido por Douglas McGrath. Protagonizado por Toby Jones y muchos famosos con papeles secundaros: Sandra Bullock,con Daniel Craig, Gwyneth Paltrow, Isabella Rossellini, etc. El argumento se centra en la investigación que Truman Capote lleva a cabo sobre unos asesinatos cometidos en el estado de Kansas con el fin de escribir su libro, titulado “A sangre fría”. No obtuvo en taquilla el éxito esperado. El argumento nos sitúa en el club nocturno «El Morocco», Nueva York, 1959: Un hombre diminuto y homosexual llamado Truman Capote entra pausadamente del brazo de una dama elegante y de la alta sociedad, Babe Paley Un largo abrigo de visón se confía a la chica del guardarropa, se enciende una cerilla, se prende un cigarrillo y … la alta sociedad de Manhattan se pasea por el local. Se sirve caviar mientras una encantadora y bellísima cantante, armoniza con su música. En una de esas noches, Truman Capote lee un breve artículo en el periódico The New York Times, el 16 de noviembre de 1959, con el siguiente título: «Un granjero rico y tres miembros de su familia resultan asesinados». El autor decide investigar un poco más sobre el caso y así poder iniciar un nuevo libro, bajo el título de «A sangre fría», que posteriormente se convertiría en su obra cumbre. A partir de aquí, se produjo un punto de inflexión en la vida del escritor que marcaría el inicio del fascinante periodo de seis años de creación de la novela. Durante esos años Truman Capote investigó en la localidad de Kansas junto a su amiga de infancia Harper Lee (la autora de “Matar un ruiseñor”) lo ocurrido en el trágico asesinato. Preguntando a los policías Alvin Dewey e incluso al propio asesino, Perry Smith, del que le atrae algo más que simplemente el saber por qué cometió el crimen. El periodista británico David Thompson la definió como la mejor película de Truman Capote, mucho más inquietante que la versión estrenada el año pasado. “Infamous” toma un ángulo diferente en su descripción del autor, y funciona lo suficientemente bien por sí misma. Una sorpresa muy grata es el retrato bellamente matizado de la confidente de Capote Harper Lee, que da a la película de lo que carece: sensación de veracidad. En España Carlos Boyero la definió para el diario El Mundo como «una extraordinaria recreación de lo que ocurrió en la gestación de “A sangre fría”. Ver «Infamous» tan pronto, después de «Capote», es una experiencia extraña. «Infamous» cuenta exactamente la misma historia, desde la primera lectura de Truman Capote sobre un asesinato en Kansas hasta la publicación de «A sangre fría». La visión general de los realizadores sobre cada historia también es idéntica: el libro hizo a Capote y lo arruinó.

Sin embargo, a pesar de esas similitudes, las películas son muy diferentes en cuanto a escenas, diálogos, reparto y ambiente. Vea «Capote» e «Infamous» seguidas para ver una rara ilustración de las diferentes maneras en que se pueden interpretar papeles y contar historias. O vea «Infamous» por separado. Es una película valiosa por derecho propio, con sus propias virtudes

Una pregunta elemental podría ser ¿Quién es el verdadero Truman Capote? ¿Cuál lo representa mejor? «Infamous» ofrece una representación más superficial de la historia, mientras que «Capote» era más interna y misteriosa. «Infamous» explica las cosas, incluida la relación de Capote con Perry, uno de los asesinos, mientras que «Capote» sugería cosas demasiado complicadas para ser explicadas. Tal vez la diferencia se pueda resumir de esta manera: al ver a Philip Seymour Hoffman en el papel principal, fue fácil ver a Capote como alguien verdaderamente extraordinario, tal vez un genio. Su Capote era un hombre más interesante, pero uno no puede evitar preguntarse: ¿es la interpretación de Toby Jones más fiel a la realidad? «Infamous» opta por mostrar a Capote en acción y en sus ratos de ocio, mientras que la presentación que McGrath hace de la alta sociedad es superficial, como una guarida de narcisistas tontos; por lo tanto, su atractivo para Capote solo puede interpretarse como algo desconcertante o como evidencia de un defecto de carácter. En “Infamous” Capote aquí es demasiado pusilánime, parece más un hombre que se enamora que un artista en la búsqueda despiadada de la verdad. Sus escenas son tempestuosas y dramáticas, pero de una manera cinematográfica, predecible, sin mucha complejidad o sutileza. En realidad amabas películas son inteligentes y reflexivas. Ambas muestran a un Capote real, proporcionado por el propio personaje, o por sus conocidos, en forma de declaraciones a un supuesto programa televisivo, una novedad esto último en el film que nos ocupa. McGrath subraya convenientemente el marcado narcisismo de Capote, pero al tiempo se esfuerza en humanizarlo para que el espectador empatice mejor con él. Acierta al describir sus numerosas extravagancias y su irresistible afición al cotilleo, y el modo en que finalmente se gana la confianza de un cerrado entorno rural con sus anécdotas de Hollywood, una de las mejores escenas del film. Hay detalles finos, como aquel en que el sheriff recibe la noticia de que han atrapado a los dos asesinos: el egocéntrico Capote se alegra por sí mismo y su libro, pero él mismo detecta lo mezquino de su reacción espontánea y, maravilloso matiz, rectifica al felicitar al que ya puede llamar su amigo. McGrath se toma excesivas licencias al pintar su relación, como la del supuesto enamoramiento homosexual entre ambos, y una agresión física en la celda, a punto de transformarse en violación. De alguna manera parece querer justificar la posterior sequía creativa de Capote con lo que sería un amor truncado, lo que no deja de ser, como mucho, una hipótesis. En definitiva ambas expresan la misma tesis: el libro que labró la reputación de Capote, acabó con el escritor.

Y esta es la enseñanza: el hombre, todo hombre, encierra su grandeza en vasos de barro. Disfrutemos del buen cine y, como siempre, aprendamos a vivir y a rectificar.

Granada, 1 de noviembre 2024

CINE Y BIOÉTICA

LA PELÍCULA: Jurado Nº 2
ALGUNOS DATOS

Dirección: Clint Eastwood
Intérpretes: Nicholas Hoult, Toni Collette, J. K. Simmons, Kiefer Sutherland
Estreno: 31 de octubre de 2024

ARGUMENTO Y REFLEXIONES

El protagonista es un joven periodista, exalcohólico, Justin Kemp, enamorado de su mujer, que le ha ayudado a su recuperación y a la que desea cuidar y proteger dado que está embarazada, hay un alto riesgo y está a punto de salir de cuentas. Justin ha sido llamado para ser miembro de un jurado en un juicio por asesinato de alto perfil, en el que la víctima es una mujer joven Kendal Carter. El homicidio ha ocurrido a altas horas de la madrugada en una pequeña localidad del estado de Georgia. El cadáver de Kendall fue hallado horas después de su muerte por un senderista justo en un tramo de la ruta que está marcado por un cartel que les advierte a los automovilistas que tomen precauciones: por allí pasan ciervos. Se platea un importante dilema moral para Justin pues su opinión puede influir plenamente en el veredicto del jurado y, en función de la misma se puede condenar o liberar al que parece ser el responsable del asesinato, James Sythe, novio de la víctima. Un tipo agresivo y proclive a la furia, con una historia de violencia; ambos en una relación tóxica. Se da la coincidencia de que habían discutido públicamente en una noche lluviosa. Por este motivo es fácil creer que James es el asesino. La cuestión clave es que si Justin cuenta lo que sabe se exculparía a posible asesino, pero el precio es que Justin podría perder su vida y la de su familia.

El director de esta magnífica película, que es la número cuarenta de su producción, es el nonagenario Clint Eastwood, con su excelente pulso narrativo ante una situación compleja y en la que vemos que todos los que participan, abogados, jueces y pueblo, desean terminar cuanto antes el juicio. Eastwood, una vez más es maestro de cine, creador de personajes con matices, muy reales. Es una película que, en mi opinión, perdurará; te mantiene alerta también con el complemento de los oportunos flash-backs y una excepcional habilidad del montaje. Sobre todo por las personalidades, digamos reales, de todos los que intervienen. La trama te mantiene hasta el final sin saber cómo quedará resuelto el juicio y si realmente es justicia lo que se vive y aplica. El caso es que con las diversas informaciones de unos y otros, la película se complica y el resultado final es un punto clave de ética, un complejo y grave conflicto de conciencia. Cinematográficamente resalta como en la primera parte el director presenta claramente la situación, lo que, curiosamente conlleva a que el espectador queda atrapado ante lo incierto de la intimidad del realmente culpable. No es posible el “adormecimiento moral” como ha señalado algún crítico. No es, que lo es, una película entretenida, sino una lección de los auténticos dramas de cada uno, y encima perfectamente desarrollados. He visto la película, la he vuelto a ver y he estudiado tan buenas críticas, de la que soy deudora, y a todos -no veo necesario citarlos- mi agradecimiento. La cosa es que a todo el mundo gusta. No se sabe si por el sentido de culpa, o por el sentido del deber y, por supuesto por el respeto a todos y por el miedo a perder. Se ha escrito que es un festival de emociones. Interesa ver la actitud de la fiscal, Faith Killebrew, persona fría con posibilidades de ser y lo desea, la fiscal de distrito, para lo cual este caso puede darle créditos. Se trata de unir y resolver todo claramente: lo que van afirmando los miembros del jurado, la borrachera de Sythe y de la novia, el abandono del bar primer de ella y seguida rápidamente por él; la marcha por un camino escarpado, y la clara posibilidad de haber sido golpeada y por ello caer muerta. Se refleja cierta prevención para admitir la “duda razonable”, punto importante. Lo impresionante es el retrato, digamos interior de Justin durante la sesiones, con su mujer, y en su soledad; el drama de su conciencia. Se podría hablar de casi todos los personajes que intervienen, pero ya solo citaremos al ex detective, Harold, honrado, sensato, experimentado e intuitivo; y pudiendo aportar tanto, los protocolos inhumanos lo prohíben. ¿Qué puede aportar la película desde la Bioética?

Un diálogo abierto. Por eso, añado parte de la espléndida reflexión de Luís
Martínez, que sirve para estudiar el director de la película, para la radiografía
de la misma, y, principalmente para el aprendizaje de los espectadores. Dice
así: “Cuenta Cicerón en su tratado sobre la vejez que Platón murió a los 81 y que la muerte le sorprendió en plena redacción de su último libro; que Sócrates escribió a los 94 ‘Panatenaicos’ («Y se sabe que vivió un quinquenio más») y que su maestro Leontino Gorgias cumplió los 107 y cuando le preguntaron por qué quería seguir viviendo, contestó: «No tengo nada que reprochar a la vejez». Uno se imagina a Clint Eastwood y sus 94 irreprochables años delante de su último trabajo y no queda otra que rendirse. No está claro que ‘Jurado Nº 2’ sea su última película, pero si así fuera, pocos adioses tan perfectos, tan vitales y tan ajenos a su condición de despedida.
‘Jurado Nº 2′ insiste en buena medida en las dos por las heridas de la culpa, por el sentido de la justicia y por los inconvenientes de la vida en común; retoma ese cauce oculto de un cine en el que el más furioso de los libertarios convive con el más cabal de los moralistas. A distancia de esa obsesión reciente por los esforzados héroes anónimos, se diría que el cineasta vuelve a lo mejor de sí no tanto para purgar penas o hacer balance como para simplemente recordarse y recordarnos que, a veces, el mejor cine descansa en un simple plano detenido sobre una mirada que huye, un gesto furtivo que delata o nada más que una duda” 1 . Termino con algo repetido. Jurado Nº 2 recuerda a Sidney Lumet de ’12 hombres sin piedad’. El hombre elegido como miembro del jurado popular no es el acusado, pero sí el culpable. Las deliberaciones atormentan su intimidad puesto que él se sabe inocente; ha sido un error no demostrable ¿Quién puede amparar su no culpa? ¿Cuál puede ser su destino? El espectador se une al peso de las miradas, de la ambigüedades…todo a modo de espejos de nuestras propias experiencias. Alguien ha dicho certeramente que el resultado es una película que también es una prueba de vida.

Definitivamente, en la vejez de Eastwood caben todas las juventudes del mundo. Y, por último, un detalle: .El primer plano de la película «Jurado nº2» es el de una mujer con los ojos vendados, el penúltimo es el de otra mujer con los ojos bien abiertos. Yo diría que siempre y en todo la luz de la verdad hay que buscarla y encontrarla. Es lo más real, lo más importante, lo más valiente.

Granada,

CÓNCLAVE

Gloria Mª Tomás y Garrido

FICHA TÉCNICA. ALGUNOS DATOS

• Dirección: Edward Berger.
• Guion: Peter Straughan.
• Intérpretes principales: Sergio Castellitto, Stanley Tucci, Ralph Fiennes, Rony Kramer, Isabella Rossellini.
• Fotografía: Stéphane Fontaine.
• Música: Volker Bertelmann.
• Producción: EE.UU. – Reino Unido.
• Estreno: 2024.

PREMIOS RECIBIDOS EN LA ACTUALIDAD

• Oscar al mejor guion adaptado.
• Globo de Oro al mejor guion adaptado.
• Premios BAFTA: Mejor película, mejor film británico, mejor guion adaptado, mejor montaje.
• Festival de San Sebastián: Mejor reparto.
• Premios SAG: Mejor reparto.
• Festival de Mar del Plata: Mejor guion adaptado y mejor reparto.

SINOPSIS

Cónclave es una adaptación de la novela de Robert Harris, popular periodista y escritor británico. Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence es designado para liderar uno de los rituales más antiguos del mundo: la elección de un nuevo Papa. Cuatro cardenales parten como favoritos:

• Cardenal Tedesco (Sergio Castellitto), ultraconservador.
• Cardenal Bellini (Stanley Tucci), progresista y ultraliberal.
• Cardenal Trambley, pragmático y de perfil bajo.
• Cardenal Adeyemi, el candidato africano.

Los cuatro desean ser elegidos. Sin embargo, también reciben votos dos cardenales a quienes no les interesa el poder:

• Cardenal Thomas Lawrence (Ralph Fiennes), decano del Colegio Cardenalicio y protagonista de la historia.
• Cardenal Benítez, arzobispo de Kabul, un mexicano humilde nombrado in pectore por el difunto Papa.

Lawrence se ve atrapado en una compleja conspiración mientras descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.

PARA ENTENDERNOS

Para aportar una visión clara de esta película, resulta oportuno recordar la frase de Campoamor:

“En este mundo traidor nada es verdad ni mentira, todo depende del color con que se mira.”

Dado que Cónclave trata, directa o indirectamente, sobre la Iglesia Católica, es importante analizarla desde dos perspectivas: la de los creyentes y la de quienes no comparten la fe.

EN RELACIÓN CON LA IGLESIA CATÓLICA

Es difícil juzgar, pero es evidente que esta película no ayuda a acercarse a la Iglesia ni a creer en ella. No se ha indicado en los créditos que se trate de la Iglesia Católica ni que la historia esté novelada. A pesar de cuidar algunos aspectos formales como la vestimenta, la pronunciación del latín y la solemnidad del ambiente, hay elementos que resultan llamativos:

• Los cardenales no rezan o no se les muestra haciéndolo.
• Se presentan diálogos basados en tópicos y una lucha de poder más propia de la política que de la Iglesia.
• Algunos personajes parecen más interesados en adaptar la Iglesia a la sociedad actual que en su misión redentora.

La película sugiere que la Iglesia es una institución en crisis, lo cual puede llevar al espectador a confundir ficción con realidad. Sin embargo, el filme no busca desprestigiar a la Iglesia, sino que simplemente la cuestiona.

Como decía Benedicto XVI en su biografía sobre Jesús:

“La barca de la Iglesia, contra el viento de la historia, a menudo parece que se va a hundir… pero desde su fundación ni ha ocurrido ni ocurrirá.”

En Cónclave, no se menciona la acción del Espíritu Santo en la elección del Papa, lo cual es un punto central en la doctrina católica. Su desenlace, además, resulta incoherente y le resta seriedad al resto del metraje.

DESDE EL CINE

La película cuenta con un reparto de lujo: Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Isabella Rossellini y Brían F. O’Byrne. Además, destaca por su fotografía impecable, con fieles recreaciones de la Capilla Sixtina y la Casa de Santa Marta.

La trama mantiene el interés del espectador gracias a:

• Una narración envolvente con imágenes hermosas.
• Un sonido inquietante que refuerza la tensión.
• Un simbolismo profundo, como el ajedrez entre el Papa fallecido y Bellini, reflejando las intrigas políticas.

El film se mueve entre el thriller psicológico y el thriller político. En términos cinematográficos, Cónclave se sitúa entre lo más destacado de 2024, con una dirección sólida y una puesta en escena solemne. Ralph Fiennes brilla con una interpretación memorable.

EN CONCLUSIÓN

Cónclave mantiene la intriga y la tensión a lo largo de todo el metraje, atrapando al espectador con su belleza estética y su elaborada trama. Sin embargo, su contenido no refleja la realidad de la Iglesia Católica.

A pesar de su impecable producción y narrativa, la película pierde fuerza en su desenlace, cuando podría haber alcanzado un nivel aún más alto. Es una obra artística de gran calidad, aunque deformada en fondo y forma respecto a lo que intenta retratar con sobriedad.

Granada, 5 de marzo de 2025